La salud mental como concepto artístico: el rescate psíquico por la música

Aunque parezca que el día a día del famoso es idílico, lo cierto es que dicho estilo de vida arrastra con su avance una considerable carga de enfermedades psicológicas y problemas de salud mental que condenan a cualquiera que se sumerja en la fama. Lejos de los focos, muchos artistas sufren graves complicaciones ocasionadas en gran medida por la presión social, sus experiencias privadas o los desencadenantes de saturación psíquica. Algunas de estas celebridades, habitualmente cantautores, aprovechan dicho dolor para interpretarlo en sus canciones, mostrando así una nueva faceta de su persona que el público no está acostumbrado a ver para sanarse y, por otro lado, para que la población se sienta identificada con sus letras y pueda, en mayor o menor medida, curarse a su misma vez con la medicina más natural: el arte.

 

 

No es nada portentoso ni sorprendente el hecho de que la fama tenga graves consecuencias en la salud mental de aquellos que se zambullen en ella. Teniendo en cuenta que muchos de los famosos cuyos nombres resuenan diariamente en cada rincón del planeta ya luchaban contra ansiedad, depresión, u otro tipo de contrariedades psicológicas previamente a estar en el ojo del público, es ineludible pensar que dicho ascenso al estrellato dañase el estado mental del artista. La vida de las celebridades, atestada de honra, opulencia y gloria, posee un inmenso lado oscuro detrás que perjudica a las estrellas a raíz de críticas, fracaso (sea comercial o personal) y situaciones más complejas, como drogas y adicciones.

Un gran número de artistas, sobre todo cantautores, relatan en sus canciones dicha posición (contra el estigma social) tratando en sus letras la manera en la que les afligen los riesgos que la popularidad les exige correr, o bien sus propias vivencias como humanos en la sociedad del siglo XXI, que desembocan en factores perjudiciales para su salud mental. 

A continuación, mencionaremos algunos de los discos más recientes de grandes artistas femeninas cuya temática detrás de las metáforas y recursos líricos es el estado mental de la intérprete, para solemnizar la visibilidad que dichas experiencias trasladadas a la música pueden otorgar a la población que se sienta marginada por su forma de sentir, brindando así nuevos referentes con los cuales la sociedad se pueda sentir identificada de manera más humana y real. 

 

Lady Gaga- ‘Chromatica’ (2020)

 

Reconocida por muchos como la actual reina del pop, Lady Gaga ha sabido desde el nacimiento de su trayectoria ser lo suficientemente valiente para exponer cara al público sus problemas de estado mental. En proyectos musicales anteriores, Gaga trata íntimamente su propia mundología, compuesta por diversos traumas, aspirando a curar este dolor a través de la música.

Su sexto álbum de estudio, titulado ‘Chromatica’, abarca líricamente estas vivencias y cómo han repercutido en su salud psicológica. En temas como ‘911’ o  ‘Replay’ hallamos continuas referencias a las perurbaciones causadas por la agresión sexual que sufrió en su adolescencia y a diversas enfermedades psíquicas que la conducen a los antipsicóticos. En cambio, en el disco no sólo percibimos la aflicción reflejada por las letras de la neoyorquina, sino que también Gaga se empodera en canciones como ‘Free Woman’, donde canta por su emancipación e independencia, o en ‘Rain On Me’, que expone cómo a pesar del abatimiento la cantante se regocija de estar viva y ofrece una visión sobre la noción de ‘llorar para consolarse’.

Otras letras del disco, como la de ‘Fun Tonight’, presentan un paisaje más natural divisado por los ojos de Gaga, permitiendo con esta última canción que el oyente se adentre plenamente en su mente y contemple la percepción de la intérprete sobre cuestiones como la fama, la predilección y la incomodidad. En ‘Alice’, Stefani se centra en su sentimiento de desorientación, vigente desde que la popularidad la condiciona, cantando textualmente que ‘está perdida’ y ‘en busca del País de las Maravillas’, donde pueda suprimir aquello que le lastima y ser finalmente feliz. 

Muchos de los seguidores de Gaga han congratulado a la artista por compartir su crónica vital de forma tan artística y por engendrar un lugar donde cualquiera pueda emigrar para reconfortarse: Chromatica

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Ariana Grande- ‘thank u, next’ (2019)

 

A pesar de que estos últimos años están siendo la cumbre del éxito de Ariana Grande, a nivel personal la cantante ha pasado por algunos de los momentos más intrincados de su carrera. En un periodo de menos de dos años, la cantante sufrió un ataque terrorista en su actuación en Manchester, el fallecimiento de su ex-pareja Mac Miller, la ruptura con su prometido Pete Davison, y un considerable número de sucesos que desembocaron en graves problemas psicológicos.

La intérprete decidió ahogar todas sus penas en el estudio de grabación y, de forma espontánea, surgió el que es por ahora su trabajo con más repercusión y eco: ‘thank u, next’. Ariana confesó en diversas entrevistas que ni ella ni su equipo tenían propósito de crear un nuevo disco, pues hacía sólo un par de meses desde el lanzamiento de su último proyecto discográfico, ‘Sweetener’ (2018). Aún así, de estas sesiones de grabación emanan los temas más íntimos de Ariana, hasta dar paso a un conjunto de canciones que moldearían su quinto disco.

En algunos capítulos del disco, como ‘fake smile’ o ‘needy’, la artista pone voz a sus problemas de condición anímica y sentimientos más agrios, dando protagonismo a la tristeza y ansiedad contra la que combate día a día y a la naturalidad de sentirse necesitada de una forma consustancial. ‘in my head’ cuenta la historia de cómo Ariana encumbró a una persona en su esquema mental, otorgándole características irreales, debido, en gran parte, al enamoramiento.

Cabe destacar también el emperejilado ‘NASA’, tema pop en el que la cantante pide ‘espacio’ (véase aquí el juego de palabras de espacio vital-espacio estelar-NASA) y defiende su privacidad, marcando los límites para encontrarse cómoda con otra persona. Pero si una canción de ‘thank u, next’ deslumbra por ser personal y profunda es ‘ghostin’. En esta balada, Ariana le canta a su actual pareja, que está padeciendo a causa de lo duro y espinoso que es para la intérprete perdurar en una relación cuando no ha superado su anterior pareja… difunta. Se agrega a esta triste y emotiva escena manifestada en la canción una evocadora melodía cuya producción musical es acertada, pues aporta auditivamente más enternecimiento y nos logra transportar al raciocinio de la intérprete. 

Pese al inmediato reflejo de depresión que se percibe en los citados cortes, Ariana no se desprende de su carácter sensual y coqueto, notorio en ‘7 rings’, ‘breakup with your girlfriend, i’m bored’ y ‘thank u, next’, argumentando así que más allá de la pena y tribulación siempre predominará el optimismo de quererse a uno mismo para ausentarse de cualquier colisión interna que la reticencia y suspicacia puedan causar. 

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Ariana Grande- ‘Sweetener’ (2018)

 

Antes de conmover al planeta con ‘thank u, next’, la estadounidense ya había plasmado en algunos de sus temas su condición mental, copada de padecimiento y desazón, siendo este el concepto primordial de su cuarto álbum. Constituido por quince canciones, en un mayúsculo número de ellas Ariana indaga en el difiícil proceso que se debe seguir para salir de la oscuridad (‘the light is coming’, ‘sweetener’) hasta aterrizar en la luz y en el alivio (‘get well soon’, ‘successful’) (destacamos aquí la similitud conceptual con la teoría de las ideas de Platón).

Sigue la artista en su línea de empoderamiento en ‘God is a woman’, rodeada de controversia y polémica ocasionadas por las comparaciones religiosas notorias en la letra de la canción, y en temas como ‘no tears left to cry’ o ‘breathin’ Grande narra sus episodios de ansiedad (‘siento mi sangre correr, juro que el cielo se está cayendo’) sin aplicar ningún filtro, para que así pueda el público palpar más cercanamente la intranquilidad a la cual la cantante se encadenaba.

Cabe destacar el soporte visual que respalda la idea del disco que se puede apreciar en la portada: la carátula está completamente del revés debido a que Ariana proyectaba su día a día como un desorden saturado de caos en el cual todo se encontraba boca abajo. En referencia al título del proyecto, la intérprete testimonió en varias entrevistas la alusión hecha al (ya mencionado) recorrido que concluye en la curación, o en palabras de Grande, en ‘lo dulce’

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Katy Perry- ‘Smile’ (2020)

 

La cantante estadounidense Katy Perry lanzó en verano de 2020 su más reciente trabajo discográfico bajo el nombre de ‘Smile’. Dicha publicación equivalía a la liberación de una agrupación de canciones que encubren algunos de los atolladeros causantes de que Perry cayera hace varios años en depresión. El declive de la trayectoria, tanto comercial como personal, de la artista supuso un periodo repleto de postergación por parte del público y de abatimiento mental para Katy, propagando así un estado de crisis mental en su condición psíquica. 

En este disco, la californiana exhibe el camino que ha recorrido hasta encontrarse a ella misma (inmaterialmente hablando), destacando la estimulación del bienestar a manos de terapia, recuperación, prosperidad y amor, pues en el viaje auditivo de ‘Smile’, Perry fracciona su historia en diferentes colecciones de temas. Para hablar sobre el desarrollo de sucesos causados por una relación fallida, problemas anímicos o síndromes depresivos, encontramos canciones como ‘Never Really Over’, ‘Cry About It Later’ o ‘Teary Eyes’ (ordenadas así en la lista de canciones).

En la siguiente sección del disco, compuesta por los temas ‘Daisies’, ‘Resilient’ y ‘Not The End Of The World’, la cantautora descompone a base de metáforas su experiencia batallando contra sus trastornos mentales, perpetuando Katy una perspectiva esperanzada de cara al futuro, causada por su incesante resistencia y la confianza en evadirse de dichos tormentos. El próximo capítulo del trayecto nos muestra la felicidad y el entusiasmo de los cuales la artista se ha adueñado tras haber habitado durante varios meses en las puertas de la tribulación y congoja y escapar de ahí.

Dicho apartado engloba las canciones ‘Smile’, ‘Champagne Problems’,  y ‘Tucked’, pieza del disco en el cual la intérprete canta sobre su utopía sexual al acaramelarse de un hombre, para dar lugar a un conjunto de composiciones que siguen dicha temática: en ‘Harleys In Hawaii’ y ‘Only Love’ la artista abre paso a una nueva sección, en la cual detalla una relación sentimental (con su pareja actual Orlando Bloom) que la ampara durante su evolución de mejora psicológica.

Concluye el álbum con el más valioso amor que el ser humano puede hallar según la estadounidense; en ‘What Makes A Woman’ Katy se abre para dejar fluir sus sentimientos hacia ella misma, correspondiendo dicha letra tanto a su consideración personal de mujer serena y tenaz como a su joven hija, nacida curiosamente horas antes del lanzamiento del disco. 

Además de la historia recapitulada en las letras, la artista quiso atribuir un concepto visual al disco. Más allá de la música, podemos observar en la estética del proyecto como Katy marca continuas referencias a un circo. La cantante quería plasmar el espectáculo y la euforia que suele caracterizar a este tipo de eventos, para crear un contraste entre los cariacontecidos mensajes de la música y el atrayente escenario óptico. 

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A su vez, otras artistas como Lana Del Rey, Billie Eilish o Taylor Swift esconden tras sus icónicos hits diversas insinuaciones a sus complejos de salud mental. Pese al gran esfuerzo requerido por parte de estas cantautoras a la hora de mostrar al mundo estas letras, lo cierto es que los beneficios sociales son apremiantes. Un gran número de fanáticos empatizan con las experiencias de sus protagonistas, igualándose a ellas, indistintamente de la estimación colectiva o de factores externos que se adjuntan a la fama.

El fruto final de esto es una prosélita conexión entre el fan y la artista que, aunque sea indirecta, es correlativa: el oyente se aúna con una semejanza aquiescente en la música de la cantante que le incita a espolear la mera efigie de dicha celebridad, lo que propaga un sentimiento de culminación y complacencia en esta misma (sumándole el éxito y triunfo artístico), que avizora la huella firmada por sus lacerantes vivencias y triunfa al antagonismo depresivo que le ha estado fustigando durante la perdurabilidad del síndrome.

Porque al fin y al cabo, en eso estriba el sentido y la clarividencia de la música: en hacernos sentir, tanto en los episodios más armónicos, como en aquellos más lóbregos, hasta concluir, en sentido sinalagmático, en el sentimiento por el cual el ser humano subsiste: la felicidad